Sie gehört zu den gefragtesten Künstlerinnen ihrer Generation. Susanne Kühn studierte an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig. Nach einem längeren Aufenthalt in New York lebt und arbeitet sie heute in Freiburg. In zahlreichen internationalen Ausstellungen wurden ihre Werke bereits gezeigt und hängen in bedeutenden Museen und privaten Sammlungen.

Kühns naturalistisch-realistischer Malstil kombiniert Landschaften, historische Zitate mit Motiven aus der bunten Welt des Comic, benutzt Stilmittel des japanischen Holzschnitt und der Amerikanischen Popart und setzt diese in expressiven Bildergemälden neu zusammen. Ihre künstlichen Bildräume entführen den Betrachter in ein Spiel voller prächtiger Farben, Formen und Geschichten mit viel Raum für eigene Assoziationen und Interpretationen.

Ihre Bilder sind opulent, großformatig, mit leuchtender Farbgebung. Und immer scheinen sie eine oder gleich mehrere Geschichten zu erzählen. Menschen bewegen sich in fantastisch-chaotischen Szenerien. Wie und wo finden Sie Ihre Sujets?
SK: In meinen aktuellen Gemälden untersuche ich das Konzept der Landschaftsmalerei und verstehe Landschaft als Übergang zwischen Natur und Urbanität: architektonische Darstellungen von Räumen, die sich in traditionelle bis surreale und abstrakte Landschaften öffnen. Die Figuren nehmen zum Teil am Geschehen teil, jedoch übertrage ich ihnen verschiedene malerische Funktionen wie Bildmaß, Bildsprache und Komposition. Der Prozess der Bildfindung steht immer im Mittelpunkt und findet über einen langen Zeitraum statt. Gleichzeitig beobachte und reflektiere ich die Realität und nehme Dinge wahr, die ich in meinen Bilder einfriere und ihnen auf der Leinwand neue Wirkungskraft und Bedeutung verleihe. Das fertige Bild ist dann ein Resultat des ständigen Austausches zwischen meinen visuellen Beobachtungen der Realität und den neu entstandenen Bildelementen die zur Bildwelt gehören.

Wollen auch Sie in Ihren Arbeit einen bestimmten Impuls, ein Nachdenken bei den Betrachtern auslösen?
SK: In meinen Gemälden stelle ich visuelle Ideen zur Disposition, jedoch biete ich dem Betrachter keine eindeutige Botschaft an. Vielmehr liegt mir daran, Sehgewohnheiten zu brechen; und im Konstruieren und Dekonstruieren von Bildräumen Elemente, Farben und Perspektiven so zu verwenden, dass der Betrachter sie zum einen wieder erkennt, zum anderen in ihrer neuen Zusammenstellung eine neue Welt entdecken kann. Ich glaube es liegt eine unglaubliche Kraft in Gemälden, weil sie nicht einfach wegklickbar sind und der Schnelllebigkeit entgegenstehen.
Was würden Sie sagen: Hat sich die Position des Künstlers im Gegensatz zu früher verändert?
SK: Kann ich nicht sagen. Das liegt ja sehr an der Perspektive.
Mit ihren Bildern wollen Sie neue, andere Welten erschaffen. Wie würden Sie denn diese Welten beschreiben? Glauben Sie, dass die Kunst auch heute die Kraft hat unsere Gesellschaften zu verändern oder zu beeinflussen? Hat Kunst noch eine gestaltende Rolle in der Gesellschaft?
SK: Natürlich spielt Kunst in unserer Gesellschaft eine große Rolle. Es handelt sich dabei nicht unbedingt um eine politische Einflussnahme, sondern vielmehr bieten Künstler, Schriftsteller, Musiker, Komponisten diverse Denkmodelle an, die die Gesellschaft reflektieren. Weil Kunst so individuell ist, steht sie auch im starken Gegensatz zur allgemeinen Sucht nach Perfektion, Höchstleistung und Uniformität. Darüber hinaus ist Kunst omnipräsent: wenn man nicht direkt eine Ausstellung besucht, kann jeder fast jede Ausstellung im Internet ansehen und sich bis ins kleinste Detail informieren. Kunst war sicher noch nie so greifbar wie heute, dennoch ist sie sehr individuell, und so auch ihr Publikum. Das ist doch großartig.
Wir danken Ihnen für dieses Gespräch!

In der Sonderausstellung im Museum für Neue Kunst Freiburg („Susanne Kühn. Spaziergänge und andere Storys“ vom 18. Februar 2017 bis 5. Juni 2017 ) gab die Künstlerin mit ihren großformatigen Tuschezeichnungen einen neuen Einblick in die Welt der Grafik. Isabel Herda, Museum für Neue Kunst Freiburg über die Ausstellung: …„Spaziergänge und andere Storys“, der Titel der Ausstellung, greift den alten Topos der Wanderung auf mit einem Begriff, der beiläufiger zu sein vorgibt und dadurch vielleicht besser in die Gegenwart passt. Für Susanne Kühn verbindet er Erlebtes und Erdachtes, Biographisches und Kunsthistorisches – ihre eigenen Wanderungen durch die Natur mit dem Motiv der Romantik. Die Naturmetapher allein würde hier zu kurz greifen, denn andere narrative Stränge oder eben Geschichten sind dazugekommen.“

Gemeinsam mit der Edition Copenhagen hat Susanne Kühn zwei Lithografien geschaffen, die an der Museumskasse für 350 Euro erworben werden können.
Ein Katalog mit über 38 Abbildungen, einem Text der Kuratorin Isabel Herda sowie einem Gespräch der britischen Kunstkritikerin und Publizistin Charlotte Mullins mit Susanne Kühn ist im Kerber Verlag erschienen und für 24,80 Euro erhältlich.

Der Musiker Peter Schindler überwindet mit seinen Kompositionen die Grenzen der verschiedenen musikalischen Genres und Stile. Er ist dabei nicht nur Komponist, sondern zugleich auch Pianist, Organist, Produzent und Autor. 1960 in Altensteig im Schwarzwald, geboren und aufgewachsen, hat Schindler das Stuttgarter Musikleben in den letzten Jahrzehnten entscheidend mitgeprägt, ebenso konnte er seine Konzerttätigkeit und die Aufführungen seiner Stücke zunehmend in ganz Deutschland, Europa und Asien erfolgreich ausbauen. Mit der Gründung der Gruppe Saltacello und nach ersten Erfolgen seiner eigenen Kompositionen entschied er sich schließlich für eine Laufbahn als freiberuflicher Künstler und lebt seit 2008 in Berlin

Ihre Ausbildung war ja zunächst vornehmlich klassisch ausgerichtet, wo entdeckten Sie Ihre Liebe zu Jazz und Pop-Musik?
Wenn einem der Vater gelegentlich „In the mood“ auf dem Akkordeon vorspielt, weiß man schnell, dass es neben tatataa- ta ta ta ta ta taa (Bach), ta ta ta taaa (Beethoven) und taa ta taa tata tata tataaa (Mozart) noch andere Musikwelten gibt. War aber echt nicht so einfach, diese Welten in den 1970er Jahren zu finden. Zu kriegen war das alles nur mit Mühe. Nix mit Download per mp3 oder jede Scheibe der Welt mal eben mit dem Übernachtkurier gebracht. Samstag und Sonntagnachmittag gab es den Radiopflichttermin „Jazz wanted“ mit Joachim- Ernst Berendt. Später fuhren wir mit der Schule gelegentlich zu Jazzkonzerten in die Liederhalle Stuttgart. Count Basie, Ella Fitzgerald, Oscar Peterson, Wheather Report, Frank Zappa, John McLaughlin, alle konnte man hautnah erleben. War eine inspirierende Sache.

Heute spielt vor allem das Theater die Hauptrolle in Ihrem Leben: In ihren Musiktheaterstücken verbinden Sie dabei nicht nur verschiedene Musikrichtungen, sondern auch verschiedene Sparten und Kulturkreise miteinander – ein Wanderer zwischen den Welten sozusagen… wie sieht der kreative Arbeitsprozess dazu aus?
Auf jeden Fall nicht so, wie man sich das landauf landab so gerne vorstellt oder es in Filmen dargestellt wird: Künstler sitzt versonnen auf einer Gartenbank und inspiriert sich vom Gesang der Vögel oder vom Rattern der Straßenbahn. Kann mal vorkommen, ok. aber in der Regel gilt der alte Spruch: Auf 10% Inspiration kommen 90 % Transpiration oder um es mit Karl Valentin zu sagen: „Kunst ist schön, macht aber viel Arbeit.“ Vor allem aber braucht man Antennen, um das, was um einen herum passiert, wahrzunehmen. Eine Idee kann einen regelrecht überfallen, manchmal hat man gar keine Zeit oder Lust auf eine Idee, aber sie kommt halt. Dann muss man sie aber aufschreiben und festhalten, denn sie kann auch schnell wieder wegfliegen. Gute Geschichten schreibt das Leben, jeden Tag, jede Nacht und überall. Einmal kam mein kleiner türkischer Nachbar zum Musizieren. Es regnete heftig und er brachte seine Noten in einer Plastiktüte mit. Da sagte ich zu ihm: Ja, was hast du denn heute für ein Wetter mitgebracht! Er kannte dieses Bild nicht, schaut mich an und sagt: Wie Wetter mitgebracht ? In der Tüte? Daraus habe ich dann gleich das Lied vom König Punimo gemacht, dem das Wetter nie recht war und der sich immer Leute einlud, die ihm anderes Wetter verkaufen sollten. Einer hat dann in der Tüte Regen mitgebracht und verkauft, ein anderer brachte in einer Tonne die Sonne mit. Der König war aber nie zufrieden und deshalb blieb es dann am Schluss doch so, wie es der Wettergott bestimmt hatte. Der ureigene Schaffensprozess ist dann etwas sehr intimes. Man johlt, man schreit, man klopft, man hämmert, man ist unansprechbar, rauft sich die Haare und ist umgeben von zwei Tafeln Schokolade und drei Litern Grüntee. Das kann und soll man gar nicht so genau schildern.

Sie komponieren sehr viel für junge Leute und in Ihrer Offenheit der Stile und Musikrichtungen erreichen Sie damit aber auch erfolgreich die Ohren von Erwachsenen. Ist es für Sie eine Möglichkeit, indem sie Klassische Musik mit Elementen aus Pop, Jazz und Weltmusik kombinieren, auch künftigen Generationen Lust auf klassische Musik zu machen?
Klären wir erstmal folgendes: In der Musik und ihren Gattungen gibt es kein Ranking. Das ist wie in den Religionen. Soll heißen: erstmal durch die Popmusik durch, damit ich später doch noch bei Mozart, Rachmaninow oder gar Schönberg lande, ist Quatsch. Man isst ja auch nicht sein Leben lang Kartoffeln, um endlich im Alter Austern zu essen. Geht doch auch gleich beides. Alles ist, wenn es gut gemacht ist, gleichberechtigt nebeneinander. Ein a-capella gesungenes Volkslied steht auf Augenhöhe neben einer Ballade gesungen von Withney Houston oder Barbara Streisand. Und ein Free Jazz Konzert, ich habe das mal beim Art Ensemble of Chicago in Tübingen erlebt, kann genauso elektrisieren wie koreanische Samulnori-Trommler oder der Anfangschor der Bachschen Johannespassion. Ich will mit meinen Stücken Lust auf Musikmachen und es ist mir gelinde gesagt egal, auf welche Musik dadurch künftige Generationen später Lust bekommen. Wichtig ist, dass man überhaupt an den Schulen mit Musik in Berührung kommt. (Falls Politiker/ innen mitlesen sollten: Musikunterricht ist wichtig! Ich fordere mehr Musikunterricht in den Schulen!)

Von ihrer Reihe „Kinderhits mit Witz“, die Sie mit zahlreichen Texterinnen und Textern geschrieben haben, sind mittlerweile schon 17 Bände im Carus-Verlag erschienen, ausserdem mehrere abendfüllende Musicals. Ihre Stücke erfreuen sich einer großen und wachsenden Beliebtheit und werden bundesweit von Kinderund Schulchören erarbeitet und vorgetragen. Was macht es für Sie so spannend, für Kinder und Jugendliche zu komponieren?
Kinder und Narren sagen die Wahrheit. Wenn Sie auf der Bühne nichts bringen, werden Kinder unruhig, gähnen, laufen umher und zeigen ihr Gelangweiltsein. Sie müssen ungeheure Kraft aufbringen, um ein junges Publikum zu unterhalten. Das ist sehr sehr spannend. Wer für Kinder und Jugendliche komponiert oder mit ihnen arbeitet, hat direkte und ungefilterte Rückmeldung. Wenn Sie keine gute Geschichte erzählen, wenn die Musik abschmiert, werden Sie gnadenlos von der Bühne gepfiffen. Wo der Erwachsene noch freundlich applaudiert, ist bei Kindern längst alles vorbei. Natürlich will ich auch den vielen Musikerziehern und Musikerzieherinnen in allen Bereichen Lieder und Geschichten vorlegen, die ihnen beim Arbeiten in der Schule, in den Vereinen, in den Theatern möglichst Rückenwind geben. Ich sehe mich da als Bestandteil eines großen Teams.

Sie sind heute nicht nur in Stuttgart sondern auch in Berlin, Korea, China und anderswo gefragt, weshalb sind Sie 2008 nach Berlin gezogen?
Damit ich endlich den Berlinern und Brandenburgern vom schönen Baden-Württemberg erzählen kann. Und dafür umgekehrt den Baden-Württembergern erzähle, sie sollen mal endlich ihre großartige Hauptstadt besuchen, die jahrzehntelang ein Symbol der Teilung war und jetzt endlich wieder ihr altes Flussbett findet. Erschreckend war wirklich festzustellen, dass beiderseitig viel Klischees erzählt werden, aber wenige gegenseitig vor Ort waren. Hier gibt es die ganze Palette von Menschen wie überall. Eben habe ich mit dem Berliner Rundfunkkinderchor mein Musical „Zirkus Furioso“ als CD eingespielt. War eine klasse Zusammenarbeit. Meine Arbeit hat nicht zwingend was mit Berlin zu tun, auch wenn die Möglichkeiten hier gewaltig sind. Komponieren und Geschichten erfinden kann man auch in einer Schwarzwaldhütte oder in einer Kelterei. Aber Toleranz kann man hier schon lernen, ich will sagen, man wird von dieser Stadt geradezu erzogen.

Mehr Informationen und Termine sind immer unter

www.peter-schindler.de zu ersehen, CDs sind erhältlich unter www.carus-verlag.com und www.finetone.de

Musik: Peter Schindler /Gesang: Sandra Hartmann/Formation: SALTACELLO

Bio
Als Komponist, Pianist und Organist spielt und schreibt er Musik für Ballett und Schauspiel, für Film und Hörspiel, Instrumental- und Chormusik für verschiedene Besetzungen, Chansons sowie sakrale Werke.
Aus seiner Herzenssache Musik für Kinder und Jugendliche sind mittlerweile Hunderte von Kinderhits mit Witz entstanden. Seine abendfüllenden Musicals Geisterstunde auf Schloss Eulenstein, Max und die Käsebande, König Keks, Zirkus Furioso und SCHOCKORANGE  zählen zu den meistgespielten Werken ihrer Art bei Kinder- und Jugendchören in Theatern und Schulen. Die meisten seiner Werke sind beim renommierten Musikverlag Carus in Stuttgart erschienen.
Mit dem Quintett Saltacello bereist er seit 1999 Korea und China. Als Vermittler zwischen den Kulturen begeistert er  am Klavier  mit seinen jazzinspirierten Kompositionen zusammen mit dem Schlagzeuger Markus Faller, dem Saxophonisten Peter Lehel, dem Cellisten Wolfgang Schindler und dem Bassisten Mini Schulz in zahlreichen Konzerten in Deutschland und Fernost immer wieder aufs Neue ein Publikum quer durch die Generationen. Im Jahr 2006 feierte Saltacello mit dem Ballett des koreanischen  Nationaltheaters in Seoul preisgekrönte Erfolge mit der Produktion Soul, Sunflower. 2010 war diese großartige koreanisch-deutsche Co-Produktion vom Sehnen und Verlangen und der Verbindung von Sonnenblume und Seele erstmalig in Deutschland zu sehen. Darüber hinaus zeigen sechs zaubervolle, tiefgründige und vielseitige instrumentale CDs wie On the Way, Salted und Joking Barber bis heute die gesamte Bandbreite dieses virtuosen Quintetts.
Mit der Gruppe Pipes & Phones, als Duo mit dem Saxophonisten Peter Lehel oder erweitert als Trio mit dem Schlagwerker Markus Faller werden Kirchenräume zu Klangwelten. Ob in der Missa in Jazz mit Chor, die aus den fünf feststehenden Ordinariumsteilen der lateinischen Messe besteht, oder in der Organum Suite: die groovende, jazzig-melodiöse Verbindung von Saxophon, Drumset und mächtiger Kirchenorgel schlägt eine weit geschwungene Brücke über Zeiten und Räume.
Mit dem Hoppel Hoppel Rhythm Club und als Hans-mach-Dampf aus seinem gleichnamigen Buch vermittelt Peter Schindler Musik und musikalisches Wissen für die Kleinen und Allerkleinsten. Eigene und traditionelle Kinderlieder erklingen verblüffend unverbraucht und zeigen in jazzigem Sound den Melodienschatz und Wortwitz, der in diesen großartigen Liedern steckt.
Rosenzeit, das ist ein Liederabend mit Liebesgedichten von Matthias Claudius, Paul Fleming, Johann Wolfgang von Goethe, Heinrich Heine, Eduard Mörike, Friedrich Rückert, Friedrich Schiller und Walter von der Vogelweide, die Peter Schindler als Chansons vertont hat. Dafür wurde er zusammen mit der Sängerin Sandra Hartmann 2007 mit dem Kleinkunstpreis Baden-Württemberg ausgezeichnet. Texte aus scheinbar längst vergangenen Zeiten treffen die Zuhörer mit dieser Umsetzung im Innersten.
In seiner abendfüllenden, zweiteiligen szenischen Kantate Sonne, Mond und Sterne vereint Peter Schindler Texte aus fünf Jahrhunderten zu einem Kaleidoskop des Lebens. Die Gedichte handeln von Liebe, Sehnsucht, Leidenschaft, Zeit, Lebenskreislauf, vom Träumen und vom Sterben. Alltägliches, Derbkomisches wird genauso wie Tiefernstes besungen.
Hier zeigt Schindler eine selbständige Klangsprache, die Anleihen bei der gesamten europäischen Musikgeschichte macht und mit den Gedichten eine anregende Verbindung eingeht.

Die aus Baden-Württemberg stammende Geigerin starte bereits früh ihre Karriere. Musik für sich und andere zu einem tiefen Erlebnis zu machen, diesem Credo folgt sie dabei bis heute ohne Kompromisse. Wir sprachen mit ihr über ihren Weg, der sie zu einer der international gefragtesten Musikerinnen ihrer Generation gemacht hat.

Wie wichtig waren Wettbewerbserfolge für Ihre Karriere?
Sie waren wichtig, aber nicht allein ausschlaggebend, es war eher ein Zusammentreffen von ganz vielen Faktoren. Aber sicher war es der Gewinn des Leopold Mozart Wettbewerb, der mir früh die Türen geöffnet hat. Bis dahin war ich ja eher auf die Kammermusik konzentriert, ich hatte damals ein Streichquartett mit dem wir auch bereits Preise gewonnen haben. Dadurch hatte ich bereits einen Vorgeschmack auf das Konzertieren. Auf der Bühne zu sein, Musik zu interpretieren und den Applaus zu empfangen, das gefiel mir jedenfalls im „zartem Alter“ schon sehr gut! Aber den 1. Preis beim Leopold Mozart Wettbewerb in Augsburg zu gewinnen, das war eine Schlüsselerfahrung, weil mir plötzlich klar wurde, dass ich auch als Solistin bestehen konnte. Solche Preise sind sehr wichtig, weil sie einem Selbstvertrauen geben und weil sie die Chance eröffnen, von namhaften Dirigenten und Orchestern wahrgenommen zu werden. Dennoch war es im Rückblick ein Glückfall, dass er nicht zu den ganz großen Wettbewerben gehörte und nicht sofort weltweit sämtliche Agenturen und Konzertveranstalter auf mich zu kamen. Da wird man als Künstler ganz schnell zu vielem gedrängt, wofür man oft noch gar nicht reif ist.
Welche anderen Faktoren waren rückblickend entscheidend dafür, dass es Ihnen gelungen ist Ihren Karriereweg bis heute so selbstbestimmt und konsequent zu beschreiten?
Ein Erfolgsrezept gibt es dafür nicht, ich glaube man muss sich stetig an neue Aufgaben herantasten und weiterentwickeln. Ein Glücksfall für meinen Weg, war sicher auch, dass ich ein sehr verantwortungsvolles und verständiges Elternhaus hatte und von Anfang an eine sehr gute und solide Technik erlernt habe, die es nie notwendig machte später umzustellen. Hinzu kommt, dass meine ersten Lehrer mich nie gedrängt haben vorzeitig die Schule zu verlassen, um mich nur noch auf das Üben und die Karriere zu konzentrieren. Natürlich habe ich viel geübt, aber nicht mit extremen Ausmaßen. Mir waren auch noch andere Dinge wichtig, dazu gehörte für mich auch einen richtigen Schulabschluss zu haben und so habe ich ganz konsequent mein Abitur gemacht. Auch hinsichtlich des Repertoires habe ich mir Zeit gelassen und mir Stück für Stück die Sololiteratur für Geige erarbeitet. Rückblickend kann ich sagen, dass mein Weg stetig, aber unaufgeregt begann, dass ich großes Glück hatte, mich nach meinem eigenen Tempo zu entwickeln, weil die Anforderungen im richtigen Maß und in der richtigen Zeit auf mich zukamen.
Hatten Sie gleich zu Beginn eine Agentur, die sich um Konzertengagements gekümmert hat?
Ja, sie war aber zunächst nur für Konzerte in England zuständig. Anfangs habe ich und auch meine Eltern noch vieles selbst gesteuert. Da waren wir eher bodenständig und vorsichtig, meine Karriere begann also eher „hausgemacht“(lacht). Ich glaube, ich war mir damals auch trotz allem nicht ganz sicher wohin es gehen würde, ich war nicht so fixiert auf eine Solistenlaufbahn um jeden Preis. Da waren ja meine Erfahrungen, die ich bereits zuvor mit der Kammermusik gemacht hatte: Einfach gemeinsam zu musizieren, ohne diesen Anspruch ständig brillieren zu wollen und zu müssen. Ich hätte damals jedenfalls nie gedacht, dass ich einmal mit den Berliner Philharmonikern spielen würde. Den einen großen Moment oder Gedanken, dass jetzt meine große Solokarriere anfängt hatte ich nicht.
Kritiker loben nicht nur Ihr exzellentes Violinspiel , sondern auch Ihre Fähigkeit des „Musik-Erlebens und Ergründens“. Können Sie uns dies näher erläutern und wie sich das in Ihrer Arbeit an der Partitur und in der Interpretation ausdrückt?
Sich ganz auf die Interpretation und das Wesen der Musik zu konzentrieren ist ein Luxus, den ich mir jetzt – im Alter (lacht)- leisten kann! Ich glaube, wenn man reifer wird, kommt auch mehr Gelassenheit. Wenn man jung ist, hat man den Fokus zunächst einfach auf dem Erarbeiten von Stücken, auf der Technik und darauf dies auch auf der Bühne optimal umzusetzen. Heute befinde ich mich in einer Phase meiner Karriere, wo ich sicheren Boden unter meinen Füßen spüre, und deshalb kann ich heute mit sehr viel Ruhe meine Projekte planen und mich voll und ganz auf die Stücke und deren Interpretation konzentrieren. Und Ich kann mir dafür auch Partner aussuchen, die eine ähnliche musikalische Auffassung haben. Für mich ist der Austausch wichtig, mich mit anderen gemeinsam über eine Partitur zu setzen, Entdeckungen zu machen, Manuskripte und Literatur von und über einen Komponisten zu lesen und zu studieren, dies dann in den Proben auszuprobieren. Ich bin glücklich mit meinem Duopartner, dem Pianisten Alexander Melnikov zusammenzuarbeiten, einfach weil es einen inneren Gleichklang gibt, Musik zu erforschen und gemeinsam zu ergründen. Im Laufe der letzten zehn Jahren, spüre ich wie mich die Musik immer mehr beschäftigt und beglückt und neugierig macht, es gibt immer mehr Fragen, die kommen. Aber das ist gut, denn je mehr Fragen man hat, desto mehr Wege findet man auch ein Werk zu etwas eigenem zu machen, dem Komponisten dabei so nahe wie möglich zu kommen, obgleich man nie wirklich fertig wird mit einem Stück. Es gibt nicht die eine Interpretation, alles entwickelt sich weiter an jedem Tag, in jeder Lebensphase…
Gemeinsam mit Claudio Abbado und dem Mozart Orchester haben Sie das berühmte Violinkonzert von Alban Berg aufgenommen. Es gibt ja bereits einige CD-Aufnahmen dieses Werks, was hat Sie daran besonders gereizt?
Ich kenne ehrlich gesagt nicht alle Aufnahmen, mit einer habe ich mich im Vorfeld jedoch intensiv auseinandergesetzt, weil sie ein „Muss“ für jeden ist, der dieses Stück lernt und zwar die historische Aufnahme von Louis Krasner und Anton Webern am Pult. Im Februar 1935 hatte der amerikanische Geiger das Violinkonzert bei Berg selbst in Auftrag gegeben. Diese Aufnahme anzuhören ist spannend und faszinierend, weil sie quasi eine Interpretation aus „erster Hand“ ist! Dann habe ich mich auch hier zuvor wieder intensiv mit der ganzen Entstehungsgeschichte beschäftigt und bekanntlich gibt es je gerade zu diesem Werk sehr viele ganz besondere Aspekte und tragische Umstände: Berg hat einen ganzen Kosmos an Symbolischem, in diese Komosition hineingewoben, das inspirierend und faszinierend ist. Er schrieb das Violinkonzert kurz vor seinem Tod und „Im Angedenken an einen Engel“, eine Widmung an Manon Gropius, die Tochter Alma Mahler-Werfels aus der Ehe mit dem Architekten Walter Gropius und mit 18 Jahren verstarb.
Was glauben Sie macht das Besondere, Neue und Einzigartige Ihrer Einspielung aus?
Ich glaube es ist einfach die Zusammenarbeit mit Abbado, die daraus etwas Besonderes macht! Er ist jemand, der sich wochenlang Tag und Nacht mit einem Werk sehr genau auseinandersetzt, jedes Detail ergründet. Wir haben uns im Vorfeld zur Aufnahme gemeinsam viel Zeit genommen die Partitur zu studieren. Das Tolle an Abbado ist, dass er dann bei der Aufnahme und im Konzert trotzdem noch loszulassen vermag, er führt einen, gibt einem gleichzeitig viel Freiheit und er schafft es auf seine ganz besondere Art eine Phrasierung „in den Himmel zu schicken“. Diese, seine besondere Handschrift ist auch in dieser Aufnahme ganz deutlich zu spüren. Ich bin wirklich eine große Verehrerin seiner Arbeit und habe mich sehr wohl bei unserer Zusammenarbeit gefühlt.
Als Professorin haben Sie drei Jahre an der Akademie der Künste in Berlin unterrichtet. Welche Ratschläge und Erfahrungen haben Sie Ihren Studenten neben fachlicher Kompetenz weitergegeben?
Ich hatte immer das Gefühl, dass es wichtig wäre, bei diesem doch sehr strengen Musikstudium und in Hinblick auf die Vorbereitung von Orchester-Probespielen, denen sich ja viele GeigerInnen stellen müssen etwas von dem Druck herauszunehmen. Sich nicht immer in ein Korsett drängen zu lassen, das Eigene zu bewahren, die individuelle Sichtweise und Urteilsvermögen trotz des Drucks von außen nicht nehmen zu lassen. Das ist wertvoll und das muss man sich bewahren. Mir ging es auch bei meinen Schülern immer um Eigenständigkeit, darum, dass die Musik im Vordergrund bleibt und man nie aus dem Blickfeld verliert warum man wirklich Musiker werden wollte.
Eine letzte Frage: Was machen Sie wenn Sie nicht auf Konzertreise sind und auf der Bühne stehen? Wo trifft man Isabelle Faust in ihrer freien Zeit?
Meine Wahlheimat ist ja heute Berlin, hier lebe ich mit meinem Mann und meinem Sohn. Wenn ich nicht auf Konzertreisen bin, dann verbringe ich meine Zeit einfach am liebsten Zuhause! Wir haben eine sehr schöne Wohnung hier und ich gehe gerne ins Kino, Spazieren und auch gut Essen ganz normale Dinge…und auch diese Momente meines Lebens genieße ich wirklich sehr!
Wir danken Ihnen für das Gespräch!

Berg / Beethoven: Violin Konzerte
Isabelle Faust Violine; Mozartorchester;  Claudio Abbado, Dirigent
harmonia mundi, 2012 (902105)

Festspielhaus Baden-Baden
veröffentlicht am 21.04.2016
Isabelle Faust in Memoriam Claudio Abbado und mit wachgeküsster Stradivari.

Ihre Stradivari wurde 150 Jahre lang nicht gespielt, bis Isabelle Faust sie vor ein paar Jahren wieder wachküsste. Nun sind die Geigerin und ihr Instrument ein Traumpaar und verzaubern ihrerseits die Liebhaber klassischer Musik. Mit dem Mendelssohn-Konzert in d-Moll für Violine und Klavier kehrte Isabelle Faust nach einem Jahr am Pfingstsamstag, 14. Mai 2016 um 19 Uhr zurück nach Baden-Baden. An ihrer Seite musizieren der Pianist Kristian Bezuidenhout und das Gewandhausorchester Leipzig. Dirigent ist Sir John Eliot Gardiner. Hier in Baden-Baden erinnerte Isabelle Faust vor ziemlich genau einem Jahr in einem bewegenden Konzert an den kurz zuvor verstorbenen Dirigenten Claudio Abbado, mit dem sie eine lange künstlerische Freundschaft verband. In einem Programm, das Abbado noch selbst geplant hatte, spielte sie Beethovens Violinkonzert bei den Osterfestspielen mit den Berliner Philharmonikern. Das Konzert wurde im Festspielhaus Baden-Baden für das Fernsehen und eine DVD aufgezeichnet. Und um die Vorfreude auf Isabelle Fausts Rückkehr zu vergrößern, zeigen wir Ihnen hier noch einmal einige Ausschnitte, nicht ohne zu empfehlen, die DVD für die heimische Klassik-Sammlung vorzusehen, in jedem Fall aber das nächste Konzert mit Isabelle Faust nicht zu verpassen.

Isabelle Faust wurde 1972 in Esslingen nahe Stuttgart geboren. Ihren ersten Geigenunterricht erhielt sie im Alter von fünf Jahren. Nach einer Ausbildung bei Christoph Poppen und Dénes Zsigmondy gewann sie 1987 den Leopold-Mozart-Wettbewerb in Augsburg. 1990 verlieh ihr die Stadt Rovigo den Premio Quadrivio. 1993 gewann sie den Wettbewerb um den Premio Paganini in Genua. 1994 erhielt sie den Förderpreis des Landes Nordrhein-Westfalen. Damit begann eine internationale Konzertkarriere mit einer großen Anzahl renommierter Orchester, darunter die Münchner Philharmoniker, das Gewandhausorchester Leipzig, das Orchestre de Paris und das Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra. Unter den Dirigenten, mit denen sie zusammengearbeitet hat, befanden und befinden sich Sir Yehudi Menuhin, Michael Gielen, Heinz Holliger, Marek Janowski, Mariss Jansons, Gary Bertini, James Levine und Claudio Abbado. Ihr Repertoire umfasst die gesamte Bandbreite der Violinliteratur. Ihre erste CD-Einspielung von 1997, die Solo-Violinsonate und die Violinsonate Nr. 1 für Violine und Klavier von Bela Bartok, erhielt den Grammofonpreis Young Artist of the Year. 2002 erhielt sie für ihre Aufnahme des Concerto Funèbre von Karl Amadeus Hartmann den Cannes Classical Award. Für harmonia mundi hat Isabelle Faust neben wichtigen kammermusikalischen Werken auch die Violinkonzerte von Dvorák, Beethoven, Schumann, Brahms, Jolivet und Martin eingespielt. Sie spielt die Dornröschen-Stradivari von 1704, eine Leihgabe der Landesbank Baden-Württemberg.

PR-Foto: Felix Broede